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从韦斯特伍德到川久保玲,怎么样理解 20 世纪后期的时装设计

   日期:2019-12-10     来源:www.ztqichesoft.com    作者:女装批发网    浏览:714    评论:0    
核心提示:马尔科姆·麦克拉伦和维维安·韦斯特伍德于1971年相遇后不久,在英皇大道430号开设了一家名为“尽情摇滚”的门店。

  马尔科姆 · 麦克拉伦和维维安 · 韦斯特伍德于 1971 年相遇后不久,在英皇大道 430 号开设了一家名为“尽情摇滚”的门店。很快这家门店进步成传奇的朋克时装店,于是他们将店名改为极具挑逗意味的“SEX”。正如那时候人民常说的,他们始终是一对互补又高效的搭档,两人都有着极端的品位,迷恋混乱美学并且热衷于违反常规,他们无政府主义的感性将哥特式的忧郁与疯癫的狂欢混杂在一起。麦克拉伦的整体理念其实并不符合平时的零售店的经营逻辑,反而更接近于艺术装置创造。他认为情境主义的“漂移”意味着通过对平时的生活进行激烈的干预,来刺激现代人麻木的知觉。这种讲解创造了如“铺路石下是海滩”等 T恤标语。服装被重新改造,缝上骨头和岩屑,撕出许多奇形怪状的裂口和破洞,再刻意制造一些线头和磨损痕迹。麦克拉伦和韦斯特伍德对于战后流行界的保守主义感到无奈和厌烦,因此他们将服装同自身的建议相结合。这成了流行、服装和造型方法的一个分水岭,大家称之为“批评流行”。
  批评,虽然是一个非常现代的定义,但它根植于古代哲学和最古老的佛学。学生、僧侣和信徒需要学会这种认知和考虑方法,才能具备高水平的洞察力、内省性的怀疑精神和准确的判断力,才能透过现象看到事物的本质。在评估和权衡作品价值以供应最佳的理解框架时,批评是一个必不可少的组成部分。正如西奥多 · 阿多诺在其著名文章《文化批评与社会》中所说的 :“文化批评家对文明不认可,但只有他自身不认可。”他认为文化批评家是这个社会中“有工资又受人尊敬的麻烦”。他们的立场是不被“文化产业”所同化,而文化产业正是通过不断地将差异性变成相似性来促进花费的。阿多诺如此批评文化批评家是由于他的立场 :他假装置身于他所处的文化之外。“文化批评具有盲目性。”阿多诺警告批评家不要盲目地与所批评的东西串通一气。
  另一位解析批评的理论家是米歇尔·福柯,他认为,“批评只存在于与自己无关的事物上 :它是一种工具……它监管着一个它不想监管而且没办法控制的范围。”批评与权力维持高度流动的关系,试图将行使权力的条件维持在表面上,从而揭示它们的本来面目,即神话和意识形态结构。如果说批评不可能完全客观,它也仍是一个自我意识到自己脆弱性的流程,这可以显露出批评系统的缺陷和劣势。
  在哲学中,批评是一个古老的定义,但在艺术中,批评具有超前的现代性。实质上它的现代性是基于这样一种信念,即艺术在社会中发挥功效,社会本身依据不断的重新评估处置社会政治思想,同时伴随技术和思想的进步,不断地调整公众的感知偏差和矛盾。在这个意义上,现代主义艺术以法国大革命和雅克 · 路易 · 戴维的作品为开端,但他的作品只在修辞学意义上反映了公众的意志、美德和愿景。这并不是贬损前代的艺术,它们同样具有隐晦的讽刺性和含蓄的寓言性。但是直到 19 世纪末,音乐和文学等艺术才公开地承担社会责任,并尝试影响社会思潮。如贝多芬最初为了拿破仑的革命英雄气概而创作的《英雄交响曲》;再如杰利柯的《梅杜萨之筏》,这幅画通过艺术夸张和视觉表现的手法刻画了波旁王朝复辟后因贵族裙带关系而产生的灾难性后果 ;又如戈雅的《战争的灾难》,这组令人痛心的作品令观众目睹了拿破仑统治下西班牙人的毁灭。所有这些作品在一个世纪之前根本不可能存在,由于那时的一切评论都是含蓄而隐晦的,公众也不可能接受这些作品所传达的信息。但现在,这样的作品自觉地融入社会思潮之中,并且以各种方法触动大众的眼泪。
  这种尝试的胜利意义非凡。20 世纪海量的艺术革新和美学重塑反映了一个日益多样化和进步的世界,大众对艺术的责任和义务也有了更为多元而深刻的理解。人民仍在试图找到更好的观看和理解形式,并通过某种神秘的渗透功效对整个世界产生影响。而后现代其实就是现代主义去掉天使般的乌托邦面孔之后的回归。现代主义之后的艺术仍然热衷于批评,其形式具有两个特征,一是明显的地域性,二是日趋多元化,其中文化身份和性别政治的特征尤为突出。但是,经过了 20 世纪 80年代的经济兴盛和崩溃之后,在 90 年代艺术逐步与媒介相结合,在此基础上对普罗大众形成了广泛的吸引力。这种吸引力也成了艺术世界的基石——因此朱利安安 · 斯托拉布拉斯提出了“艺术小品”这个词来描述“年青英国艺术家”(yBas)的审美观。这种趋势与经济理性主义者的理解框架紧密相联,这套理解框架强调增强亲切感和受众参与度以确保较高的浏览量,而展览的票房收入也成为衡量展览胜利与否的主要准则。艺术批评的缓慢消亡创造了一种气氛:艺术渐渐成为一种娱乐形式,它不再纯净,而更具有广泛的吸引力,其模式与时装业呈现出惊人的相似性。2002 年,著名艺术史学家 T.J. 克拉克 (T. J. Clark) 提出了这样的问题 :
  视觉艺术不是正在直接且义无反顾地成为影像商品的一部分吗?这不正是人民注意到视觉艺术和时装业之间的分界线已经消失的真正意义吗? [ 翻阅《帕克特》和《艺术论坛》,能残酷而直接地确认这一事实 ] 不仅视觉艺术消失了,甚至连艺术都不复存在了。
  从千禧年克拉克写下这些疑问开始,关于艺术作品和艺术批评隐晦特征的讨论就一直备受关注。十年后,哈尔 · 福斯特撰写文章为这个“后批判”的年代高奏挽歌,而年青的纽约艺术评论家大卫 · 吉尔斯为当代艺术创造了“新现代”这个术语,完全不分析任何批判性的反思或历史的合适性。艺术转向着重外观,某些设计和风格“被具有特殊商业形式的艺术世界束缚,等于好莱坞和异国市场[例如,高古轩画廊里正在出售马克 · 纽森设计的快艇]”。
  新形式主义是对阿多诺所倡导的“自主艺术”的无情嘲讽,由于它“用一根脐带绑住”了这一奇观。而 2000 年美学家马里奥 · 佩尔尼奥拉将“当下的艺术”描述为“白痴和辉煌”,这是艺术与表象的紧密结合,地区艺术与现实的割裂。矛盾的是,艺术的现代主义中的抽象化和非事实化活动是试图找寻更深层次的自我和世界,可“现在的现实主义”要么是支离破碎的幻想,要么是“评论和广告”式的庸俗。佩尔尼奥拉预示了吉尔斯的论断,他认为“理论的零度造成一般的扁平化,现在极端现实主义恰恰提出了这样一种主张,即在没有任何调解的状况下显示存在”。艺术与常识的结合似乎比现代主义全盛时期愈加脆弱和武断,由于,正如这些作家所暗示的,目前的艺术仅仅是呈现表征或反映艺术日益衰弱的内涵,成为常识精英们产品游戏中奢侈的棋子。
  然而,艺术终结论绝不是一个假象或者历史决定论的看法,也不再是一个掷地有声的议题或有趣的论点。“好”艺术在哪儿出现不再是被关注的重点。它真正要关注的现象是,如果将最近主流艺术批评的变迁与流行的命运作一个对比研究,那样大家就会在这种对比中感受到,一种全新的流行时髦、设计办法和舞台艺术正在崛起,其重要程度和影响力相当可观,并且非常强调过去艺术的批判性品质,这就是流行批评。在某些流行物品、风格和倾向当中都有一个可辨别的空间,文化批评在这个空间中得以存活,这种空间一直存在于优秀的艺术作品中。大家可以说,艺术批判性活跃度的逐步衰退并不是无序的,而是逐步进入了流行的空间,这一空间到今天仍然没有引起大部分艺术评论家、流行理论家和历史学家的关注。造成这种情况的起因很容易,那就是流行在艺术研究范围或艺术圈并没有得到广泛的看重,但也没有由于那些老生常谈的理由而被抛弃。
  流行和服装一直是地位和财富的标志。在现代生活中,就像在法国大革命中一样,它们仍旧是向新秩序表达归属和忠诚的要紧标志之一。但这就意味着流行和服装的功能并不是流行批评。相反,流行批评认为这些含义被扭曲和夸大了,是突兀和非常规的。
  作为对比,大家可以借助“密封流行”的定义来讨论一下什么不是批评流行。密封流行往往被用来避免经典流行的价值取向。经典流行是颇有历史的一个定义,它既是一个商业术语,又是一个与异性恋话语霸权有关的表述。相对于经典流行而言,密封流行的特征是实用和低调 :T 恤、西装、黑色连衣裙——所有这些都是密封流行的样本,它强调在行动和形象上突出人自己。正如大家刚刚所说,经典流行的价值基础因温克尔曼的同性恋主义而有所动摇。具有讽刺意味的是,密封流行的首倡者居然是博·布鲁梅尔,他除去了服装上不必要的褶皱并强调服装的裁剪式样和完成度。布鲁梅尔也是批评流行定义的先驱,批评流行的定义引入了一种全新的自我认知逻辑,不再把衣着当作自身身份地位的标志。然而布鲁梅尔的作品最后被纳入了规范的经典样式。但是通过区分,大家发现批评流行非常独特,有时候也很古怪,甚至可以和雕塑这种艺术形式进行类比。但批评流行并不局限于这些特质,后续大家还会继续介绍,它是通过某种方法挑战性别秩序对传统流行攻城略地。
  韦斯特伍德和麦克拉伦的例子是新型流行的代表之一,它以类似于艺术的方法表达自我,而紧随其后的设计师们在不一样的文化环境中进行实践,效仿韦斯特伍德进步为流行偶像和独立机构。20 世纪 70 年代是一个极端的艺术实验时期,艺术的边界不断被突破。此外,麦克拉伦汲取灵感的“情境主义”并非严格意义上的艺术运动,那更像是一种对抗社会的策略。他们所采取的漂移和挪用的办法与其说是为了干预社会范围——尽管这是可以理解的副商品——不如说是在社会意识的层面制造了裂痕,打破了产品和市场的死气沉沉。与此同时,欧洲和美国的艺术家正在积极地尝试将艺术融入外部世界,或者超脱出画廊的界限。简言之,艺术正在寻求成为空间或存在于空间之中,以数百年来前所未有的方法存在。
  麦昆,来自:维基百科
  虽然在大家的理解中,流行界仍然沉浸在“风格”和“潮流”之中,但其实在流行界还有一种新的设计模式。这种模式在大量时候看起来都很不靠谱,但它却在复杂的评论形式中展示了强大的生命力。虽然需要承认现代主义中的流行存在批判性和破坏性的维度,但这些都只是规范形式的偏转而已。例如 Dandy 风格和波西米亚风格,朋克风格和虐恋风格,或者是与殖民主义有着复杂关系的跨国和跨文化风格流行,等等。亚文化也是如此,其风格呈现往往与主流文化存在时间和地域的裂痕。然而目前,这些文化类型已经被流行产业吸收,作为一种修辞:亚文化风格是流行语言的一部分,它不只是一种亚文化,更被归类为一种流行语言的表达模式。例如,朋克风格可以说已经耗尽了它的越轨效应,而转变为一组视觉记录,这些视觉记录更多的是关于越轨行为而非朋克本身。通过将风格中的文化姿态简化为一个符号、行为,甚至使之成为另一个符号,那些最初具有越轨性和表现力的风格一般都会叛变他们所具备的震撼性和潜力。这种评判虽然在肯定层面上有效,但却局限于艺术或流行范围。由于它是政治和资本全球化年代的地方病,这个年代其实也就是所谓的“后民主”年代,或者米歇尔 · 马费索利早先所描述的“部落年代”。
  在现代拓扑学中,当下的生活是没有外部的,就像对学院来说不存在先锋性。因此,即便是“反流行”,也不在流行系统之外,而是流行系统的一个子类型。虽然这种结构性的爆炸可能风险艺术,但它对流行来说可能是有益的。犬儒主义是一个针对当代艺术的词,但同样不可以形容当代流行。20 世纪 80 年代艺术批评的危机源于人民认识到主流艺术不再存在可行的“外部批评”。如果艺术中的批判性叙事对外部事物维持一种浓烈的怀旧情绪,那样对于长期以来一直与产品和系统和平相处的流行范围而言,批判性评论将会在该体系中维持自觉而活跃的参与。大家可能会看到像韦斯特伍德这样的设计师和朋克的亚文化风格并不热衷于模仿和中规中矩,而是处在一种不一样的状况:亚文化风格只是物质交流的进化流程的第一阶段,其最后阶段则呈现为一种可以解析文化种族和性别差异的风格集合。
  在这方面,本书所创造和构想的批评流行,是一个具有历史时期性的定义。它具有一些重要的前因,即夏帕瑞丽与达利的合作,或伊夫 · 圣罗兰对蒙德里安激进的挪用,等等。这些案例一般用于艺术和流行的交叉范围,而批评流行在批评和文化实践中开拓了一个新的历史空间,这个空间中包含了这些交叉。批评流行是时装业的一个分支,在某些时装设计师的作品、时装系列、时装秀和流行电影等展示方法中都有不一样程度的体现。
  本书由各个设计师的个案研究组成,他们的作品都为流行批评供应了定义界定和方向引领。但本书并不是一份完整的名单,当中有不少遗珠,特别是近年来颇受关注的马吉拉、卡拉扬和麦昆几位设计师。之所以未将他们纳入是基于一个容易的逻辑,他们的工作已经受到了太大的看重,关于他们的研究可以作为本书的要紧支持,也可作为本书的序曲。韦斯特伍德和川久保玲等设计师受到的批评和关注和以上几位大体相仿,但他们对于构建具有重要理论坐标点的理解框架尤为重要 :川久保玲关注服装结构的革新,韦斯特伍德则凸显了政治和反抗的用途。它们是两副互补的面孔:川久保玲的革新之处在于服装本身,而韦斯特伍德的革新之处在于服装之外的无形之物。
  本书从韦斯特伍德和川久保玲切入后,将继续剖析麦昆的弟子加勒斯 · 普,他继承了麦昆的极端品位,其作品中总有一丝危险的味道。此后,关于缪西娅 · 普拉达的章节呼应了前三部分,尽管她试图颠覆传统的审美规范,但总体上普拉达仍然吸收了不一样的美学看法。第五章考察了埃托尔 · 斯隆普的“解剖叙事”。斯隆普认为自身是一个艺术家,他的副商品恰好是流行商品,他以传统的青铜雕像铸造方法接近人体,但是他认为身体部分并不属于整体。也就是说,身体不是一个肢体到躯干的集合,而是由抽象单位最后凝聚而成的总体。当外推到设计范围时,这种看法对于身体和主体性的关系具有特殊影响。随后一章介绍了权威的维果罗夫,他们的作品以观念主义、艺术装置为核心,同时涉及一些抽象定义,如否定和虚空。第七章提及一位年青的设计师拉德 · 胡拉尼,其核心重点是性别的“不可知论”,以及现在在某种程度上确立的不区分性别的流行分支,即一般所说的中性。瑞克·欧文斯回到了性别问题上,基于走秀表演的奢华程度,第八章探讨了其时装系列和走秀与性别建构的关系。最后一章针对华特 · 范 · 贝伦东克展开,在重申性别问题的同时也提及将来流行、“后人类身体”流行和被技术微调的身体等定义。尽管设计师们以自身的方法在各自范围里十分卓越,但可惜这一系列研究并未做到详尽而富有针对性。虽然这些研究以每一位有关设计师为例,但也以此为基础剖析当今时尚于时装的实践、穿着、展示、表演和花费中的当代问题。
  正如标题所示,每一章都包含了与当代流行有关的不一样焦点,在这个被称为“人类世”的年代中,人类的存在和活动对自然环境产生了显著的影响。这也是一个被称为“后人类”或“后人类主义者”的年代,在这个年代,大家已经放弃甚至重新概念了从笛卡尔开始,兴盛于 18 世纪卢梭、莱辛、赫德和席勒的思想中的人文主义价值观。因此,这本书包含了诸如目前与将来多变的和技术化的身体、过去的阴影、不确定性和不靠谱性、同性恋和性别界限的改写、现实与科幻的混淆以及混乱的生物等主题。
  Dior、Valentino 这样的品牌总会占据流行的一席之地,它们为享有特权的人供应了他们认为独属于自身的高雅和魅力的外壳。但是,目前也有了一种新型流行的形式和实践,它将社会和哲学动机穿在袖口上,不仅以美为乐,还以其再三考虑的大胆和无数的原创挑战为乐。批评流行实践自觉地占据了“内在”和“外在”两个层面。它作为一种设计办法和创作态度,提出了关于这个世界的历史与欲望的要紧考虑。

 
标签: 设计
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